“Letratone Nr. 9″探索兩種聲音干擾：內部鋼琴的原音振動及混音器內部的回授，電子和原音兩種聲音訊號混合之後，難以辨識其真正來源。在這個作品中，還有視覺因素，Andrea Neumann的動作和聲音有一定的關聯性，但是難以判斷究竟是動作引起聲響，或者是她的身體隨著聲音律動。「若是後者，我也樂於強調在即興與實驗音樂中，身體所扮演的重要角色…」Andrea Neumann沒把話說破，和現場的觀眾探討身體和聲音的關係 。

“Innenklavier Solo Nr. 3″ 靈感來自Fluxus藝術家George Brechts的作品 “Incidental Music, Part 2. “也就是「偶發音樂」。在Brecht的版本是音樂家把積木放在鋼琴弦上，越疊越高，直到最後至少有一個積木摔落到琴弦上。而我的版本當積木摔落，就引發了琴弦的「永動狀態」，鋼琴弦的振動和拾音器造成的反饋聲響交互作用，成為永久性的系統，不需要任何外部的刺激就能一直持續非電子的低音嗡鳴。

以上是Andrea Neumann在台灣演出的兩件作品簡介，透過幾個問題，我們希望能了解更多Andrea Neumann的音樂觀。她條理清晰，給答案的同時也帶出了新的問題，她的發言方式與她的音樂過程，都給人相當「有機」的印象。在回答問題的同時清楚表達主觀意見，但不否定其他意見的說明方式，也讓人覺得她一定是個很好的老師！

A：是新的樂器

inside piano 的發展：我這個樂器的發展，和我的音樂發展很有關係，它是持續的過程。我對這個進化過程沒有預期任何最高／最終結果。

每個決定都是出於實用考量，或者某個聲音方面的想法。

例如：
脫離傳統的鋼琴彈奏方式－發掘鋼琴弦的聲響－拆解鋼琴的外部構造
鋼琴－鋼琴骨架－內部鋼琴

我一開始用鋼琴演奏即興音樂，但當我與不同的音樂家，不同的樂器合奏之後，我發現以傳統的方式彈奏鋼琴「鍵盤」非常侷限。我永遠不可能延長特定的音，除了觸鍵的一瞬間，音符被彈奏之後，也就沒法操控或改變它的音色。為了開發更多的聲響，我試著彈鋼琴弦。以不同的道具預置鋼琴產生了各種聲音，如簧片、叉子、e-bows （註. e-bow 是電吉他手常用的器材，能產生不同呈度磁力的子裝置能改變弦的振動方式，產生特别的聲響）

通常表演的場地沒有鋼琴，就算有，多半也不能接受讓我在弦上作文章，甚至直接彈奏鋼琴弦；所以我最好準備自己的樂器。最理想的狀況是一個只有金屬支架、共鳴板、弦的鋼琴。最後，我找到一間鋼琴公司願意提供一台報廢鋼琴的骨架給我，這樂器超級重，有七十公斤，搬了五年之後，我決定訂做一個結構改變不大，但較輕的版本。 2000年由製琴師和調音師Bernd Bittermann為我訂作，鋁製骨架，搭配大鍵琴的弦軸，而去除了部份的弦，有兩個特製的個槽狀構造和一個金屬盤可以放各種道具。

為了技術因素，加了一個混音器，而這開啟了許多藝術可能性。首先我先發現用混音加製造回授（電子音色：正弦波以及各種電子噪音）的可能性，接著又開始探索結合原音和電子訊號的方法。例如弦的振動如何影響回授的頻率，開創混合電子和原音美學的聲響。混音器靜音鈕可以讓聲音－非常不有機地－突然出現又突然消失，而不同的拾音器收入不同的音軌製造許多不同的層次，形成複雜、多聲調的結構。

(INSIDE PIANO 第二代)

(INSIDE PIANO 第三代)

 

P：我們知道你經常和其他的音樂家即興合奏，也參加即興樂團，你認為什麼是即興？個人的即興和與他人合作的差別在哪裡呢？

A：聆聽是即興最重要的特質之一。聆聽有不同方向，內在，外部，聽環境，聽其他人在做什麼，聽自己正在做的。

這種演奏時的聆聽可以讓當下所聽成為靈感，促成接下來的音樂決定，對開放形式的演奏來說這是很好的特質。最好的情況下，演出者的當下，他們「所建構的當下」能轉化成聽眾聆聽的模式，也因此觀眾能進入「聽見現在」的狀態。「信任自己，建構現在」以我的觀點來說是即興音樂的首要條件。非常明顯地，沒有規則或計劃的演出最能讓人跟隨，可以保證音樂的成功。（規則或計劃指的是：大量的停頓、完全不停頓、快速回應、完全不回應、想著對位、想著和聲、想嚇自己一跳等等的）

個人演奏和與樂團搭配非常不同，獨奏時每個音樂過程都是我自己的責任，這是我和樂器之間的對話。在樂團中即興則是所有樂手們以及他們樂器之間的互動與對話。對於即興的結果每個人同等份量地負負責。作為樂手，合作時會有更多外部的活動要做，像是聆聽，像是回應他人，同時還要在眾多聲響中清楚找到自己的聲音在群體中的軌跡。

可以這樣形容優質的團體即興：每個參與者都感知每個樂手每個動作。不管多小聲，一場演出可能因為手機聲改變了全部的音樂鋪排，音樂運行的每個部份都承接了其他部份，對我而言“聽見並被聽見”是即興的最高境界。

P：你加入了純女性組成的樂團"Les Femmes Savantes"，這個團名是來自莫里哀的小說《太太學堂》嗎？你們選擇這個團名想透露什麼樣的訊息？是否和女性在聲音藝術的角色有關呢？

A：是的，這是來自《太太學堂》

我們2005成立這個樂集的時候，增加女性音樂家作品的能見度似乎很重要。即使到現在，女性音樂家在各種音樂節也還是很少。
當代音樂的女性作曲家比起男性就更少了。
可是我們不相信有“女性音樂美學”
我們的網站首頁有一句話：如果不這麼做會讓你很痛苦，你可以說我們的音樂是“女性的”

Les Femmes Savantes

P：你怎麼看待鋼琴呢？

A：我覺得鋼琴佔了聲音世界一大部份。它的八十八鍵當然是為了製造十二音律的音樂製造的。
看著鋼琴各位不同的部份和材料，就非常有趣，那些金屬支架，共鳴板、弦、絃軸、氈布…然後想想它能幫你找出哪些聲音。

P： 開始即興音樂之後，你是否還會為自己彈鋼琴呢？哪些是你别喜歡彈的鋼琴作品呢？還有你會給觀眾哪些推薦呢？

A：我會為自己彈鋼琴，像舒曼（克拉拉和羅柏特），舒柏特，巴哈，利蓋蒂、艾斯勒、荀白克。
我現在正在準備鋼琴獨奏，會和其他的現代音樂作曲家一起公演，他們是：Chiyoko Szlavics, Heather Frash, Robin Hayward, Phill Niblock。

我很推薦柏林作曲家Magda Mayas 主持，專門介紹當代音樂鋼琴家的線上廣播，她介紹了A. Patheras, C. Fuhler, J. Tilubry, T. Mukarji, R. Friedl 和我本人，是很好的入門。

(Into The Music – Inside Piano (Saturday 30 March 2013 4:05PM))

P：看妳演出最佳的態度是什麼呢？

A：好奇（對於能帶你進入不同星系的聲音世界好奇）

P：我們知道約翰凱吉和Fluxus運動都影響了你，但他們都是來自美國。我們認為你很了解聲音藝術在德國或歐洲的發展，很好奇妳對聲音藝術的說法，對於「什麼是藝音藝術」，你能明確定義嗎？這個問題在台灣還非常模糊，我們還在爭論，沒有共識。也可以聊聊柏林的聲音藝術場景。

A：關於妳的問題，在德國或至少在柏林，意見也相當分歧，以下是幾個論點：

就我了解的聲音藝術是以安裝的格式呈現的音樂，透過擴大播放的acousmatic music（指看不見聲音來源，被預錄後播放的音樂，又譯／唯聲／幻聽）沒頭沒尾，觀眾可以進入、離開、自由地移動他的內在（指分心）。相反的，對傳統的演唱會（有樂手／詮釋、開始的時間、正式的結尾）演出結束時，坐在舞台前的觀眾們拍手。

這通常充滿了互動，空間扮演了重要角色。

凱吉解放了聲響，他們把聲響帶進了音樂廳。

他把聲響視為物件，而並非起-程-轉-合的戲劇化過程，更接近美術館展示的藝術品。

我自己會說自己在做的是「聲音藝術工作」，致力於聲響。